Com a KTO Arena praticamente lotada, Helloween entrega grande produção, músicos visivelmente à vontade no palco, clássicos de diferentes fases da carreira e uma inesperada versão de “Let It Be”, dos Beatles.

Existem shows em que uma grande produção acaba se tornando maior do que a própria banda. Telões, fogo, efeitos e estruturas gigantescas impressionam, mas, em algum momento, percebemos que os músicos estão apenas cumprindo mais uma data de uma longa turnê. Na noite de 16 de setembro, na KTO Arena, em Porto Alegre, o Helloween mostrou exatamente o contrário.

A produção era enorme. Um grande telão de LED ocupava o fundo do palco e recebia vídeos e animações relacionados às músicas, enquanto pirotecnia, iluminação e canhões de papel picado ampliavam a dimensão do espetáculo. Mas nada disso conseguiu esconder aquilo que talvez tenha sido o aspecto mais interessante da apresentação: o Helloween parecia realmente feliz de estar ali.

Michael Kiske, Andi Deris e Kai Hansen sorriam, procuravam o público, respondiam às primeiras filas e chegavam a parar para ler os cartazes erguidos pela plateia. Não era aquela interação protocolar que muitas vezes aparece entre duas músicas. Havia uma troca constante com uma KTO Arena praticamente lotada e disposta a devolver a energia que vinha do palco.

Depois de mais de quatro décadas de história, o Helloween poderia simplesmente deixar o repertório fazer o trabalho. Em Porto Alegre, preferiu fazer muito mais.

HELLOWEEN EM PORTO ALEGRE COMEÇA VIAJANDO PELA PRÓPRIA HISTÓRIA

Depois de uma introdução com “Let Me Entertain You”, de Robbie Williams, a apresentação começou efetivamente com “March of Time”. Não foi necessário esperar muito para entender a proposta da noite: diferentes momentos da história do Helloween seriam colocados lado a lado sem a preocupação de transformar o repertório em uma simples sequência cronológica.

“The King for a 1000 Years” veio logo depois, seguida por “Future World”, uma das músicas que imediatamente estabelecem uma conexão com a história clássica do grupo. “This Is Tokyo” e “We Burn” mostraram como o repertório poderia atravessar diferentes fases sem perder a unidade no palco.

A presença de Kiske, Deris e Hansen permite justamente isso. Em vez de apagar períodos ou tratar determinada formação como capítulo isolado, o Helloween atual consegue colocar diferentes identidades da banda dentro de uma mesma apresentação.

E havia outro elemento importante acontecendo simultaneamente: o espetáculo visual.

O enorme painel ao fundo não permanecia exibindo apenas um logotipo ou imagens genéricas. Os conteúdos mudavam de acordo com as músicas, criando diferentes ambientes enquanto a iluminação e os efeitos acompanhavam a dinâmica do repertório. Em determinados momentos, palco e telão praticamente se fundiam.

Para quem estava fotografando, como eu, isso também significava que a imagem do show não terminava nos músicos. Havia sempre alguma coisa acontecendo atrás deles.

KISKE, DERIS E HANSEN NÃO ESTAVAM APENAS CUMPRINDO TABELA

Talvez esse tenha sido o ponto que mais me chamou atenção.

Quem frequenta muitos shows acaba aprendendo a perceber quando uma banda está realmente conectada com aquela apresentação e quando está simplesmente fazendo seu trabalho. Isso não significa necessariamente falta de profissionalismo ou um show ruim. Turnês são longas, viagens cansam e ninguém consegue transformar todas as noites no acontecimento mais importante da própria vida.

Mas Porto Alegre parecia estar recebendo uma banda particularmente disposta.

Michael Kiske, Andi Deris e Kai Hansen sorriam o tempo inteiro. Observavam as primeiras filas, brincavam, liam cartazes e respondiam ao que vinha da plateia. Pequenos gestos, quando vistos isoladamente, mas que durante duas horas ajudam a mudar completamente a percepção de um espetáculo.

Essa disposição também diminuía qualquer distância provocada pelo tamanho da produção. Podia haver uma arena cheia, um palco enorme e toneladas de equipamentos separando músicos e público, mas a apresentação continuava parecendo humana.

E talvez seja justamente essa combinação que explique por que o show funcionou tão bem.

DE “RIDE THE SKY” A “I WANT OUT”

O repertório continuou mergulhando na história da banda.

“Ride the Sky” abriu espaço para uma passagem em que Kai Hansen assumia ainda mais protagonismo, seguida por “Into the Sun”, “Hey Lord!” e “Hell Was Made in Heaven”. Depois de um solo de bateria, chegou um daqueles momentos que praticamente dispensam apresentação em qualquer show do Helloween:

“I Want Out”.

É uma música que atravessou gerações de fãs e que, numa arena cheia, encontra sua dimensão natural no coro coletivo.

Até esse ponto, o Helloween já havia colocado bastante coisa sobre a mesa: diferentes períodos da discografia, três figuras fundamentais de sua história dividindo o palco e uma produção que fazia questão de transformar cada faixa em uma experiência também visual.

Então veio algo completamente diferente.

“LET IT BE”: OS BEATLES NO MEIO DO HELLOWEEN

Logo depois de “I Want Out”, a noite teve provavelmente sua escolha mais inesperada.

“Let It Be”.

Por alguns minutos, os Beatles entraram no repertório do Helloween.

Não houve exatamente um set acústico. A versão de “Let It Be” foi o momento verdadeiramente acústico da apresentação e funcionou justamente pela mudança de atmosfera que provocou. Depois de guitarras velozes, power metal e uma produção de grandes proporções, uma das canções mais conhecidas da história do rock criou um intervalo completamente diferente dentro do espetáculo.

É também uma daquelas escolhas que ficam guardadas pela surpresa. Dificilmente alguém entra em uma apresentação do Helloween imaginando que, em determinado momento, estará cantando uma música de Lennon e McCartney.

Na sequência vieram “In the Middle of a Heartbeat” e “A Tale That Wasn’t Right”, antes de “A Little Is a Little Too Much” conduzir o repertório novamente para outra direção.

A reta final reservava ainda dois momentos de peso histórico: “Heavy Metal (Is the Law)” e “Halloween”.

FOGO, PAPEL PICADO E UMA ARENA PRATICAMENTE LOTADA

Se o repertório conseguia percorrer décadas, a produção fazia questão de apresentar o Helloween como uma banda absolutamente preparada para ocupar grandes espaços em 2026.

A pirotecnia aparecia em momentos cuidadosamente marcados, sem parecer apenas fogo disparado porque havia fogo disponível. Os canhões de papel picado acrescentavam aquela dimensão deliberadamente exagerada que combina perfeitamente com uma banda cuja iconografia nunca teve medo de cores, abóboras, fantasia e grandiosidade.

Enquanto isso, o telão seguia funcionando quase como um integrante adicional da apresentação.

E havia a plateia.

A KTO Arena praticamente lotada dava ao espetáculo a dimensão que ele precisava. Clássicos conhecidos por diferentes gerações encontravam resposta imediata, enquanto a interação constante dos músicos fazia a energia circular nos dois sentidos.

Era uma produção grande sem parecer fria.

Talvez essa seja a melhor definição para o que aconteceu.

“EAGLE FLY FREE”, “POWER” E “DR. STEIN” NO BIS

Quando a banda retornou para o bis, ainda havia algumas cartas bastante pesadas para colocar sobre a mesa.

“Eagle Fly Free” abriu a sequência, seguida por “Power” e “Dr. Stein”.

Três músicas capazes de sustentar sozinhas uma reta final e que funcionaram como uma última celebração coletiva antes do encerramento, que ainda trouxe o refrão de “Keeper of the Seven Keys”.

Depois de um repertório que havia começado com “March of Time”, passado por “Future World”, “Ride the Sky”, “I Want Out”, “Halloween” e até pelos Beatles, aquele pequeno retorno a “Keeper of the Seven Keys” parecia quase uma assinatura.

Não era necessário tocar tudo.

Seria impossível.

A história do Helloween já é grande demais para caber em uma única noite.

MAIS DO QUE NOSTALGIA

Talvez fosse fácil vender uma apresentação do Helloween em 2026 apenas através da nostalgia.

A banda possui músicas fundamentais para a formação do power metal, discos que atravessaram décadas e integrantes que carregam diferentes capítulos dessa história. Colocar Michael Kiske, Andi Deris e Kai Hansen juntos num palco já seria suficiente para despertar memórias em boa parte do público.

Mas reduzir o que aconteceu em Porto Alegre a isso seria injusto.

O que vimos na KTO Arena foi uma banda utilizando sua história sem parecer aprisionada por ela. Os clássicos continuam ocupando espaço central, naturalmente, mas convivem com outras fases dentro de uma produção atual, grandiosa e cuidadosamente construída.

Principalmente, havia músicos que pareciam querer estar naquele palco.

Sorrisos não aparecem no setlist. A leitura de um cartaz não está programada entre “Future World” e a música seguinte. A maneira como alguém olha para a primeira fila dificilmente aparece numa ficha técnica.

Mas são essas pequenas coisas que muitas vezes separam um ótimo espetáculo de uma simples execução impecável de músicas.

Na noite de 16 de setembro, Porto Alegre recebeu fogo, papel picado, telões gigantes, Beatles e alguns dos maiores clássicos da história do power metal.

Recebeu também algo mais simples.

Uma banda aparentemente se divertindo tanto quanto o público.

E talvez por isso tenha sido um show tão foda.

Texto:Giovanni Maglia